解读潘企群的抽象艺术

  • 2015-07-30
  • 吴永强
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  潘企群,华裔美国艺术家,抽象表现主义之后有国际影响的抽象艺术家。参加过许多重要国际大展,曾经与世界知名的大师戴维·霍克尼 (David Hockney)、罗依·列支敦士顿(Roy Lichtenstein)、 佛郎西斯·培根(Francis Bacon)、约瑟夫·琼斯(Jasper Johns)等人联展。在美国主流画廊(GalerieZuger Santa Fe、Obernier Gallery La Jolla、Miranda Galleries Laguna Beach、Hilligoss Galleries Chicago)展出,受到观众和评论界一致好评。



  如果我们对周遭世界的风景太过熟悉,未免心生厌倦,这时,去看潘企群的画将是一个不错的选择,因为这些画首先会把我们的视觉从枯燥带往惊奇。设想要是我们遭遇到地震和海啸,不一定能看见大地震怒和海洋咆哮时的奇观,因为逃生是我们此刻收到的唯一指令。千载沉积、一朝释放的大自然的能量,早已令人晕头转向。无论最终逃到了人间还是天堂,在通常情况下,我们的眼睛也许塞满了沙子,耳鼻可能灌满了苦水;而一路上的见闻,不是天昏地暗,就是浊浪滔天……可是,走到潘企群的画前,我们却能亲眼目睹天的塌陷、地的冲撞、物的倾轧,惊叹山崩地裂竟然也有美丽的风光!原来,那时地火沸腾、岩浆翻滚,灿烂的熔化等待着所有的坚硬……在这些画前,我们有时又发现自己必须穿越时光,重返洪荒岁月;或独处太虚,或羁旅鸿蒙,体验无底的沉落,感受云端的寥廓;我们有时会听见深海中鱼的呼吸,有时会看见暗夜中幽冥的微光……正当我们深感自己濒临“无限”,处于绝境,可就在俯仰之间,又好似瞥见了天堂的梦影。



  人们众口一词地说,潘企群的画是抽象的。但假定历史上有过的那些“抽象主义”概念能够暂时被忘掉,潘企群的画就毫不使人觉得抽象。这些画呈现了一个陌生世界的景致,是我们在有限的人生中凭肉眼无法窥望到的。但同时,这不是一个科幻世界或神话世界,它与我们所在的世界有着彼此穿透的命运联系。在这些画前,我们可置身于人生中某个极端的时刻,可亲临上帝创世的现场,也可飞身云端,俯临海陆,但即使天塌地陷也不张惶失措,即便目击开天辟地也不心乱如麻,即便浪迹天外也找得到来时的路……一句话,潘企群的作品使我们得到了一个机会,得以从容观照红尘中无缘得见的胜景。


  不过,只要回到视觉层面,我又不得不承认,要解读潘企群的画,“抽象”二字其实是忘不掉的。尽管画中的形象千奇百怪,但它们作为纯粹的形作用于人的视觉,并无对现实事物的指涉。画中有几何形、自然形、有机形,不但林林总总,而且始终依靠松弛和紧张的节奏、冲撞与反弹的能量运动着。冲突只为平衡,平衡又起冲突。形虽各异,但它们相互腐蚀,止不住朝对方幻变的趋势。同时,色的巨流即将吞没果断的轮廓,光的雾霭快要笼罩住固执的形状,而所有的坚硬与清晰在氤氲的色光中欲藏还露。不过,这些有轮廓或无轮廓的形,却一致地具有物的体量和质感,这是颜料的体量和颜料与画底材料切磋而成的质感。形与形之间的力动关系,也与作画过程中生成的材质关系纠缠不清。换句话说,如果我们在这些画中感受到了物的情态,那不是别的,正是作为物的绘画材料本身的情态;是色块之间的冲撞与倾轧、颜料自身的搅拌与翻滚、涂绘之中的喷涌与弥漫、色光交袭的迷幻与眩晕……作为一位来自于中国、从小饱受东方文化浸润的画家,潘企群深谙物理与人情的沟通之道;而在美国漫长的学艺与从艺经历,又使他对绘画材料有深入的研究,养成了运用材质的高超技艺。于是,材质成了他沟通物理与人情的介质。他赋予这些材质以温暖、呼吸和激情,释放了它们各自的天性,诱发出了它们相互冲突和协调的力量。在材质从沉睡到苏醒的过程中,物性逐渐改变成灵性,潘企群也得以窥见了物我两忘的神秘境界,体验到自由的喜悦;与此同时,他的画把我们引领到一个陌生世界的边缘。



  人们留意到,影响潘企群艺术风格形成的因素有抽象表现主义、硬边艺术、中国传统艺术,以及外延更广的西方文化与东方文化及二者的交流融合。但是,在强调这些人文因素的同时,我仍然愿意指出,不能忽略大自然本身也是影响潘企群艺术的一个至深因素。他的画不仅能够使我们一瞥大化流转、海陆换位的宏阔气象,还常令人联想到岩石的肌理、植物的根系、破碎的云朵,乃至于深海中纵横的沟壑、无声的暗流和藏露的生灵。不过,当我们想努力看清楚这些东西的时候,它们又奇妙地消失了,只留给我们一个浩瀚的色彩的世界、光的世界、以及使色彩和光据以现身的那些变幻的材质。这样,我逐渐领悟到,原来“自然”在潘企群的艺术中,既包括了作为灵感源泉和表现对象的自然,也包括了绘画材质的自然。而这两种自然,在画家对大自然本性的尊重与呵护中冥然贯通,不分彼此。我也因此懂得,岩石的肌理、植物的根系、天上的云朵等等自然事物,为什么会在潘企群的画中那样来无影去无踪?原来,画家所欲捕捉的,不是它们的外观,而是事物生成的脉络、生命繁殖的路径。其实,中国有一句哲学格言,叫做“道法自然”,早已抢在我们觉察这个秘密之前,将其一语道破。


  潘企群对中国古老的道家和禅宗文化有浓厚的兴趣,对中国传统水墨画有苦心的研究。他试图达到中国古人所追求的“以一管之笔,拟太虚之体”的艺术境界。在其最近几年的创作中,特别可见他对水墨内涵的感悟臻于“朝彻见独”。然而,这并未导致他的作品看上去好像是用油彩画出的水墨画。相反,潘企群的艺术越与水墨精神靠近,我们就越能在那里看到与中国画外貌迥异的画面。他通过解构水墨画实现了对水墨精神的表现,独依西画的方法和语言创造了气韵生动的效果。据此,我们也可理解到潘企群的艺术之路与抽象表现主义、硬边艺术的关系,其中同样有步步为营的解构策略。这样,我便有信心提出如下反问:解构精神,难道不是潘企群释放其创造力的最显在因素吗?




  潘企群对绘画材料的兴趣始终如一,对任何新材料都乐于尝试,这使他有充分的条件突破中国传统绘画在材料运用上的局促。他以综合材料追逐绘画性的直截了当,尽管油水交融,却不妨害他重温古人“书写” 的快乐,而其作品的表现力却足以令古人心生妒忌。有时,画家只需萧萧数笔,几个大笔触,便能使颜料厚薄相随,肌理粗滑互现,形迹虚实相生,而画面的空间感、实体感、速度感宛然俱在,呈现出“元气淋漓障犹湿”的磅礴气象。


  最后,如果需要为潘企群的作品归纳出一个最有魅力的视觉元素,照我的感觉,那最可能的是光。由于有了先声夺人的光的效果,他的作品与其说是色彩的和声,不如说是光的和声。也由于有光,享有特权的物质感和实体感才未能阻挡空间的深邃和气韵的穿行,使画面独得空灵之趣。中国水墨画把自然光阻挡在画面之外,以“墨分五彩”的语言来表现光感和空间层次。潘企群对光感的把握,起于光色关系的自然原理,最终却使其在作品中绽放出“墨分五彩“的神韵。对此,我们不能忘记画中那些变幻莫测的透明色。那是有穿透力的透明色,穿透了材质与肌理,穿透了形象与背景,穿透了运动与平衡,把整个画面统一到光的逼视之下,从而创造出独一无二的境界。这境界是如此令人难忘,以至于我不得不有一种理由相信它超乎视觉之上,这理由便是——上帝说,要有光,于是就有了光。







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